Sem dúvidas, a dança é uma das manifestações artísticas mais democráticas que existem. Através dela, é possível expressar-se fisicamente e emocionalmente, comunicar-se, adquirir consciência corporal e manifestar a criatividade. Todas essas possibilidades fazem com que exista uma enorme relação entre dança e inclusão social. Ao proporcionar
mais autonomia e autoestima para seus adeptos, podemos dizer que apesar das limitações, a dança pode e deve ser para todos. Qualquer pessoa, em qualquer situação, é capaz dançar e explorar novos sentimentos, hábitos, prazeres e, sobretudo, emoções. O poder da dança é enorme, e não existem limites que não possam ser ultrapassados! Além de todos os benefícios que a dança proporciona para o autoconhecimento, também é possível desenvolver as habilidades físicas durante o processo de aprendizado, fortalecendo a musculatura e favorecendo a postura. Um deficiente que dança, como um cego ou cadeirante
por exemplo, ganha mais agilidade ao se locomover, maior equilíbrio do tronco e aumenta a sua resistência corporal, além de diminuir os riscos de ter problemas de circulação sanguínea. Além disso, essas pessoas desenvolverão uma melhor percepção musical, ao mesmo tempo em que estimulam os outros sentidos do corpo e levam este aprendizado para suas atividades cotidianas. No caso de pessoas com pouca ou nenhuma audição, também é possível ingressar no mundo da
dança utilizando as vibrações do som para ditar o ritmo do corpo. Com isso, elas tendem a desenvolver a consciência e expressão corporal, o que pode facilitar o seu processo de comunicação. Os rendimentos dessa prática vão muito além da saúde física e mental de seu praticante. Muitas pessoas em situações sociais ou econômicas vulneráveis
encontram na carreira artística uma esperança de independência financeira, através de projetos sociais em suas comunidades. Com tantos benefícios, fica claro que a dança e inclusão social devem caminhar sempre juntas, assim como todas as manifestações artísticas. Uma das principais características da dança é a promoção da integração entre as pessoas, independentemente da sua cor,
idade ou condição social. Nesse ponto, podemos afirmar que a dança promove a cidadania e evidencia o direito que todas as pessoas têm de expressar duas ideias, vontades e sentimentos. A dança quebra as barreiras do preconceito e torna as pessoas mais confiantes, não apenas no ambiente dos ensaios, mas na sociedade em geral. Ao
perceber que pode usar o corpo como ferramenta de comunicação, o dançarino passa a entender que não existem diferenças que possam separá-lo ou isolá-lo da sociedade. Todo e qualquer cidadão tem o direito à participação de atividades sociais, pedagógicas e culturais, sem que haja qualquer tipo de distinção ou isolamento. Eles não apenas podem receber um
treinamento em dança gratuito e de qualidade, como também têm a possibilidade acrescentar suas experiências e vivências aos seus grupos de dança, proporcionando crescimento qualitativo para todos. Podemos afirmar que a relação entre dança e inclusão social traz apenas benefícios. Além de adquirir habilidades
e manter-se em forma, compartilhar experiências e sentimentos é o que nos torna mais interessantes aos olhos dos outros, e também transforma coisas simples em arte. Você conhece algum grupo de dança ou bailarino que promove a inclusão através da dança? Conte a sua experiência deixando uma mensagem na nossa área de comentários. Estamos ansiosos para conhecer boas histórias!  Linguagem da dança – conceitos, características e mixagens "A dança é uma expressão perpendicular de um desejo horizontal." (George Bernard Shaw) "Quando eu nasci eu já dançava.” (Mario de Andrade) “A dança, por sua vez, também possui vinculações étnicas, culturais e históricas, bem como relações de gênero a serem discutidas na escola.” (Orientações curriculares do Ensino Médio - MEC)
A dança, como muitas artes, pode ser vista de formas muitos diferentes por distintas comunidades, de forma de entretenimento e socialização estritamente, como é o caso dos passos de dança em carnavais de rua como o de Olinda, a uma forma de transe coletivo motivado pelo movimento circular e ritmado de fiéis de algumas religiões, como é o caso do ritual associado a comunidades religiosas como o Santo Daime. Como expressão artística, a partir de uma ótica não pragmática, a dança admite escolas específicas que produzem formas diferentes de pensar os movimentos do corpo como forma de arte. Uma breve história da dança Há registros confiáveis de que o homem dança há milhares de anos. Possivelmente, como forma de afastar ou pedir a chuva, de conseguir resultados melhores para uma caçada ou mesmo de adorar algum deus. Nas cavernas de Lascaux, na França, há pinturas rupestres que mostram nitidamente grupos de humanos em situações que remetem a uma forma primitiva de dança. Como para esses povos, aparentemente o que se pintava nas paredes das cavernas era de crucial importância como situações de caça, pode-se inferir que a dança ocupava posição importante na vida dessas comunidades. Isso ocorre provavelmente desde as primeiras organizações sociais humanas razoavelmente complexas, quando já era possível pensar na possibilidade de que o homem era capaz de produzir simbologias abstratas, que fariam com que ele pudesse associar uma forma de dança primitiva a maior possibilidade de que o inverno fosse menos rigoroso, por exemplo. A dança, por milhares de anos e em muitas locais do planeta, foi uma possibilidade corporal exclusiva de homens. Só nos séculos XIX e XX, que as mulheres emanciparam-se o bastante para poderem participar ativamente de danças teatrais mais frequentemente. Em danças folclóricas, nos séculos anteriores, já havia presença perceptível de mulheres nessas expressões artísticas. Ainda hoje, em certas regiões da União Soviética, existem danças matrimoniais em que as mulheres não tomam parte dos movimentos corporais, a não ser como referencial para os homens dançarem em torno delas, principalmente da noiva. A história da dança como forma artística, inscrita numa ideia mais formalista de arte, demonstra as inúmeras mudanças pelas quais passou o entendimento da dança não só por parte de seus criadores e dançarinos, mas também de seu público, que, metaforicamente, passou a exigir cada vez mais em diferentes níveis dos espetáculos de dança. As danças populares e folclóricas são um marco importante na história dessa arte, pois foi certamente a partir de variantes rudimentares e antigas delas, repassadas pelo exemplo e pela oralidade por milhares de anos, que a dança desenvolveu-se como forma artística e como técnica corporal. O Balé Clássico, bem mais tarde, baseado no preciosismo técnico, nas narrativas surreais e nos espaços idílicos que norteavam a coreografia, foi um contraponto a espontaneidade inicial. Ao longo do século XIX, mas especialmente na aurora do XX, desenvolveram-se entre bailarinos e bailarinas de formação clássica uma visão mais autônoma esteticamente em relação às possibilidades de movimentação do corpo, muito influenciada pelas muitas vanguardas estéticas, pelo questionamento dos rigores teóricos e técnicos do balé clássico e pela ebulição nas artes que as ideias modernistas propiciaram. São expoentes desse momento Isadora Duncan e Vaslav Nijinski. Como uma consequência das ideias modernistas no universo da dança, nasceu a Dança Contemporânea que por vezes se concilia de alguma forma com modos mais tradicionais de dançar, sem, contudo, interromper as propostas de inovação estética da Dança Moderna. Nesse sentido, as formas contemporâneas de dança passam a fazer uso de adventos tecnológicos como o vídeo, o cinema, os aparatos modernos de iluminação, os movimentos do esporte, a referência de culturas marginais, etc., além de se deixar influenciar pelos ritmos e movimentos da sociedade da qual faz parte, tais como: a urbanização ampla e acelerada, a importância crescente dos meios de comunicação e informação, a crise moral, as questões ecológicas, etc. Além disso, inauguram um tempo de intensas mixagens que ajudaram a tornar nebulosas as fronteiras entre teatro, música, dança e artes visuais. São exemplos desse tipo de experiência com a dança, grupos como Corpo, Quasar, Deborah Colker Cia de Dança, etc. A dança como linguagem A dança é uma das linguagens artísticas mais antigas até pela sua pouca exigência quanto a aparatos tecnológicos e mesmo formação acadêmica para ser realizada ainda que em um nível muitas vezes rudimentar. Entretanto, desde as formas de dança mais eruditas como o Balé Clássico até as danças populares como o Frevo e a Quadrilha, em todas há elementos que as constroem como manifestações artísticas e corporais. Segundo a pesquisadora Judith Lynne Hanna, os elementos da linguagem da dança, que combinados permitiriam a compreensão da dança de acordo com o estilo, a escola ou mesmo a função, são: • Espaço: direção, nível, amplitude, foco, ordem e forma. • Ritmo: tempo, duração, ênfase e compasso. • Dinâmica: força, energia, tensão, relaxamento e fluxo. • Forma: relação estabelecida entre quem dança com o outro, com o espaço e com objetos. • Locomoção: caminhar, pular, correr, saltar, rolar, estirar-se, rodopiar, etc. • Gesto: movimentos como rotação, flexão, extensão e vibração. • Frase corporal: movimentos em sequência capazes de denotar uma afirmação específica. • Motivo: parte do movimento apresentada de maneiras distintas: rápido ou lento, forte ou suave, etc. Dentre as muitas possibilidades de se abordar a classificação dessa forma de arte tão dinâmica, quanto multifacetada, faz sentido pensá-la sob várias perspectivas que alcancem vários elementos constituintes e conceituadores, eis alguns deles: Quanto aos envolvidos no processo da dança - dança solo (ex.: solista no balé, algumas coreografias do sapateado, break, o passista do frevo e o da escola de samba, etc.). - dança em dupla (ex.: tango, salsa, valsa, maxixe, lambada, o mestre-sala e a porta-bandeira de escolas de samba, etc.). - dança em grupo (ex.: danças de roda, maracatu, maculelê, etc.). Quanto à razão - dança folclórica (ex.: catira, carimbó, reisado, etc). - dança cerimonial ou religiosa (ex.: danças indianas, dança sufi, etc.). - dança étnica (ex.: dança árabe, danças indígenas, etc.). - dança terapêutica (ex.: auxílio no tratamento de doentes psiquiátricos, etc.) - dança erótica (ex.: can can, striptease, etc.). - dança cênica ou performática (ex.: balé, Danças Contemporânea e Moderna, etc.). - dança social (ex.: dança de salão, axé, samba, etc.). Como complemento, seguem citações de partes das Orientações Educacionais do Ensino Médio, produzidas pelo MEC: “3.4 Dança 3.4.1 Código Elementos morfológicos O corpo humano, entendido como totalidade (mente e físico), ativado e capacitado para explorar suas possibilidades de movimento e assim desenvolver-se como inteligência múltipla. Tempo coreográfico, espaço coreográfico e qualidade do movimento – seus componentes espaciais (direções, planos, dimensão, caminho realizado), seus componentes temporais (velocidade, duração, acentuação e periodicidade de incidência desses fatores) e os componentes de sua intensidade (peso, esforço, fluxo e impulso). Estruturas sintáticas Organização do movimento a partir da priorização de um dos seus elementos, como desenho simétrico/assimétrico; velocidade rápida/moderada/lenta; fluxo solto/conduzido, contínuo/descontínuo; assim como impulso central/periférico. Organização do movimento a partir da combinação desses elementos, resultando em ações básicas como empurrar, socar, torcer, deslizar, etc. Organização em grupos funcionais de movimento: gestos, formas de andar, corridas, saltos, giros, quedas e recuperação. Composição a partir de células, repetições, variações, blocos, cânones, simetrias, assimetrias, polirritmia. Criação a partir de diversos estímulos: materiais, imaginários, emocionais, factuais, individualmente ou em grupo. Tradicionalmente o tempo, o espaço, a forma e o movimento sempre foram considerados elementos da dança. É importante lembrar que a forma é, de fato, o resultado da composição dos aspectos espaciais, temporais e de intensidade do movimento, não constituindo, portanto, propriamente um elemento. Isso não significa dizer que não se possa, ou mesmo se deva pensar, organizar, criar o movimento em função de sua forma. Essa seria mais uma possibilidade de organização e estudo do movimento, incluída nas possibilidades citadas anteriormente. A organização dos elementos da dança compõe a estética da obra, e essa organização variou ao longo da história, por vezes caracterizando escolas, por vezes desconstruindo essas caracterizações. Dessa forma, o estudo de seus elementos é um instrumento eficaz tanto para a experimentação do fazer criativo na dança quanto para a análise dos estilos e das manifestações culturais dessa linguagem. Na organização espaço-temporal da dança, o ser humano revela sua relação com o mundo: a dança constitui, então, além de um instrumento para o autoconhecimento, um instrumento para o conhecimento do outro em seu espaço, para a compreensão vivencial da natureza (aqui incluída a natureza cultural humana) e, conseqüentemente, para a compreensão da própria sociedade. A abordagem artística dos movimentos corporais propiciada pela dança, baseada na expressão da experiência vivencial do mundo pelo indivíduo, é uma faceta específica do conhecimento do próprio mundo. Não basta “saber” o mundo e viver nele para conhecê-lo; é preciso sentir e perceber como se relacionar com ele, como imaginar essa relação, traduzindo tudo isso em uma criação expressiva. O conhecimento do mundo passa, pois, pela vivência corporal dos seus elementos, nos aspectos físico-objetivos, sensoriais, pré-simbólicos e simbólicos. Daí a importância do estudo corporal-criativo do tempo, de espaço, da intensidade do movimento e da forma deles resultante na educação escolar. Exemplificando: não basta saber sobre o espaço (estudado em Geografia, Física, História, ainda que de forma interdisciplinar); é preciso vivenciá-lo corporalmente, sentir como nos relacionamos com ele, como podemos organizá-lo, reorganizá-lo, transformá-lo por meio do sensível, por meio de uma consciência estética. 3.4.2 Canal O corpo humano, em sua aparição fenomenológica. O corpo humano virtualizado, digitalizado pelas diversas mídias contemporâneas: televisão, vídeo, cinema, computador. A aparição presencial do dançarino é, ainda hoje, em tempos de virtualização intensa – e talvez por isso mesmo –, um aspecto importante dessa linguagem artística, além de fundamental na função educativa da dança tanto do ponto de vista do aluno-espectador quanto do aluno-criador. É no instante do “aqui e agora” que trocas sensoriais, estéticas e éticas se dão entre espectador e dançarino. O corpo humano virtualizado, no entanto, é um importante canal de experimentação e pesquisa da dança atual e deve estar presente na educação escolar, principalmente no ensino médio, quando os alunos deparam mais intensamente com as mídias citadas anteriormente. Esse “dançar mediado” traz especificidades resultantes do diálogo da dança com as demais linguagens, entendendo aqui, como linguagem, também as novas tecnologias. 3.4.3 Contexto • Do texto, da obra Identificar o contexto em que as obras coreográficas são criadas é fundamental para ampliar a compreensão das relações existentes entre esse contexto e a organização dos movimentos na obra. Toda composição traz marcas do seu criador, do seu tempo, dos seus condicionantes. O exercício dessa contextualização, além de dar acesso ao conhecimento da história da dança, sua origem, seus determinantes socioculturais e sua evolução, instrumentaliza o aluno para a compreensão do seu próprio fazer na dança. • Do aluno, do professor, da escola, da comunidade Dançar não é só uma forma de expressão particularmente importante para os jovens, mas também para os adultos, que têm nela uma oportunidade de se reconhecerem culturalmente e socialmente. É preciso então trazer para o aprendizado da Dança a diversidade que hoje marca esse dançar, fazendo dialogar o legado das danças populares tradicionais e os festejos, as práticas contemporâneas, o pagode, o funk e outras danças da “moda”, com a expressão artística erudita, e esse diálogo deve ser pautado pelas características contextuais da escola e da comunidade onde esta está inserida, considerando-se todos os seus agentes: alunos, família, professores, funcionários, artistas locais e outros, abrindo espaço na escola para a experiência da oralidade, do saber não formal, das tradições e dos movimentos que dão identidade a essa mesma comunidade. • Do ensino médio Dar acesso ao conhecimento da diversidade da produção coreográfica, das diferentes formas de organização do código estético-motor praticado por diferentes culturas e estratos sociais é objetivo fundamental do estudo da Dança. No entanto, não se deve privar o aluno adolescente ou adulto das importantes descobertas que o processo criativo em dança propicia para aquele que o pratica, descobertas essas que não se extinguem com as primeiras experiências, mas constituem novos desafios e desejos expressivos a cada nova fase da vida humana. Processo e produto estão em permanente transformação, pois assim está o ser humano, modificando-se a partir de si, do outro, das influências sociais, culturais, científicas e, principalmente, a partir do próprio processo criativo.” “Duas sistematizações no ensino da Dança merecem atenção. Em uma perspectiva, tem-se o desenvolvimento da consciência corporal, utilizando os conceitos oriundos da educação somática, entendida como atividade em que o corpo é trabalhado de modo que integre todos os aspectos que o compõem: social, espiritual, psíquico, físico, etc. Desenvolvem-se práticas baseadas nas técnicas de Alexander e Feldenkrais, tais como a Body-Mind-Centering, Eutonia, entre outras.No Brasil, Klauss Vianna e José Antonio Lima representam essa vertente. Outra influência marcante é a da criação coreográfica que utiliza a exploração espacial baseada nos preceitos de Rudolf von Laban (1879-1958). Este coreógrafo austro-húngaro criou um movimento que revolucionou a maneira de se pensar o corpo em movimento. Ele desenvolveu um método de análise do movimento definindo os elementos que o compõem. Elaborou igualmente um método de escrita em dança, a Labanotiation. Seu trabalho tem diferentes aplicações, que vão da educação e da criação coreográfica ao trabalho terapêutico, sendo introduzido no Brasil por Maria Duschenes.” Qual é a relação da dança com a arte?A dança, arte de movimentar o corpo em certo ritmo, é uma das três principais artes cênicas da Antigüidade, ao lado do teatro e da música. Caracteriza-se tanto pelos movimentos previamente estabelecidos (coreografia), ou improvisados (dança livre). Pode existir como expressão artística ou como forma de divertimento.
Por que a dança é um tipo de manifestação artística?A dança é um tipo de manifestação artística que utiliza o corpo como instrumento criativo. Geralmente, essa forma de expressão vem acompanhada por música. Entretanto, também é possível dançar sem o apoio musical.
Qual a importância da dança como arte?Foi revelado que a dança pode ser considerada como a mais completa das artes por envolver vários elementos artísticos como a música, o teatro e etc., ela apresenta um significado avante da expressão artística, e pode ser vista como ferramenta de educação social do indivíduo a fim de que este possa adquirir conhecimento ...
Como pode se relacionar a dança e a cultura?Através da dança, consegue-se demonstrar cultura, expressar as suas vivências através de gestos corporais. Segundo Medina et al. (2008), é uma forma de movimento elaborado, fornecendo representações da cultura dos povos. Assim, ela mostra, manifesta os costumes, hábitos de uma sociedade específica.
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A dança é uma manifestação artística. como podemos relacionar dança e arte?
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